IMPRESIONES TEATRALES

Conclusión Grupal

2005-11-14T06:35:00.000-08:00

INTEGRANTES:
Sandra Lagos
Henry Reyes
Victor Villablanca
Barbara Jorquera.

Finalmente podemos concluir que: El evento "Lluvia de Teatro" en la ciudad de Valdivia, desarrollado el presente año, puso en escena diecinueve obras que fueron analizadas una a una desde la perspectiva del espectador, logrando capturar la esencia del teatro de hoy en día, a través de las imágenes mas relevantes y significativas, las cuales muestran la clara intención de conectar la obra y sus distintos elementos con el publico. Esto es lo que denominamos "La cuarta pared". Con nuestra participación como espectadores comprobamos en terreno que para producir el rompimiento de esta pared se requiere de ciertos elementos que conformen el espacio escénico, se trata de los elementos propios de cada ambiente; pero no hablamos de llenar un escenario con solo objetos e implementación, sino de conformar ese espacio mediante la proyección que realizan los actores hacia el publico en general.

En lo que a montaje escénico se refiere, se observaron dos calidades de espacios: "realistas y desnudos"; el primero nuestra las cosas tal como son, con un montaje cotidiano que no da cabida a la imaginación del espectador y su misión es entretener a través de una buena historia, lo denominamos teatro novela. Entre las obras que destacan figura el teatro rico realista entregado por la obra "Té y Simpatía", y el aporte de realismo y humor puesto en escena en la obra "Taxi" y "El Tío Iván", cuya estenografía estaba conformada por módulos de madera. Lo propio aporta el teatro virtual de obras como: "Dos amores y un bicho", "Prometeo y la jarra de Pandora"; y "Las aventuras de Juan Moreira"; esta ultima se apoya en marionetas, se tocan instrumentos, cantan, se cambian de vestuario en escena, corren, saltan y entretienen a través de la comedia.

El segundo tipo, Teatro Desnudo, nos muestra un montaje que se basa en lo corporal, los actores son los que llevan ese espacio escénico a través de la proyección de sus propios cuerpos. Ejemplo de ello son las obras "Casting" y "El Mercader de Venecia", cuyas escenas muestras un extraordinario dominio corporal, y de voz en un escenario desnudo, con iluminación general, vestuario neutro y dos cajones en donde los actores realizaban la transición de un personaje a otro; apareciendo entonces; el traspaso de la obra hacia el público.

Otra forma de generar encuentro con el espectador, es la traspasar físicamente los limites del escenario, en donde ocurren focos de acción dentro del espacio del espectador, integrando a éste hasta tal punto, de sentirse involucrado en la historia. El mérito de esto se le atribuye a las obras: "Novechento", "Quijote y Sancho Panza" y "Dios" que permiten ver el claro rompimiento y traspaso de la cuarta pared, ya que los personajes se entremezclan con el público, crean un lazo directo con él, generando mayor dinamismo e interacción.

Estas formas de hacer teatro, generan relaciones directas con la concurrencia, permitiendo muchas veces que los asistentes se sientan parte de la obra y se vean reflejados en algunas de las historias o personajes que cobran vida sobre el escenario. Cabe destacar además, que la recepción del público a aquellas obras en donde la cuota de humor está presente, reciben mayor acogida y la asamblea responde con jubilosos aplausos.

2005-11-13T23:15:00.000-08:00

TARTUFO

Duración: 1 hora 40 Minutos
Público Objetivo: Mayores de 14 años
AUTOR: Adaptación de Benjamín Galemiri de un texto de Moliere
DIRECCIÓN: Raúl Osorio Pérez
ELENCO: Francisco Melo, Blanca Mallol, Mario Poblete, Begoña Basauri, Lorena Bosch, Alejandro Franco, Patricio García, Valeria Germain, Ernesto Orellana, Alfredo Potuondo, Jorge Rodríguez.
MONTAJE: TEATRO NACIONAL CHILENO (Santiago – Chile)

SÍNTESIS ARGUMENTAL
Más allá del tiempo, este clásico de la dramaturgia universal describe y denuncia la hipocresía y el doble estándar de la conducta humana, a través de la ironía, sin dejar de lado el sentido profundo de la vida..

ANÁLISIS DE LA OBRA

Bajo la dirección de Raúl Osorio y con la actuación de Francisco Melo (Tartufo), Mario Poblete (Orgón), Blanca Mallol (Madame Pernelle), Begoña Basauri (Elmira), Valeria Germain (Dorina), Ernesto Orellana (Valerio), Lorena Bosch (Mariana), Alfredo Portuondo (Cleanto) Alejandro Franco (Damis), Patricio García (Lorenzo y policía) y Jorge Rodríguez (Policia), el Teatro Nacional Chileno, montó este Tartufo que tanto éxito ha producido en la cartelera nacional para la presente temporada.

De más está decir que esta versión a la criolla sólo nos hará reir a nosotros porque todos los gags apuntan a nuestra realidad cotidiana: referencias políticas, educacionales, económicas e incluso, chistes referidos al ambiente local, valdiviano, con guiños al Festival de Cine, lugares reconocidos por nosotros, los del Calle-Calle. Me imagino en Talca, en Puerto Montt, en Santiago, las referencias serán otras, como es obvio pensar.

En resumen, un Tartufo que pese al tiempo y al espacio se conserva fresco y lozano. Pero con una salvedad para esta propuesta: que de tanto chiste nos podemos olvidar del fondo, del meollo del asunto: que para Moliere la comedia podía corregir a los hombres.

PLANTA DE MOVIMIENTO

donde optó, en los movimientos de los personajes, físicos, me refiero, por una estética de comic, del movimiento discontinuo, lento, quebrado, en donde el cuerpo físico, el mínimo gesto, va, abruptamente, desde su posición inicial al siguiente, de ida y vuelta mientras la palabra, el texto, el dicho del personaje, sigue el mismo ritmo de cadencia y anticadencia.

2005-11-13T22:40:00.000-08:00

NESTA DATA QUERIDA (Cumpleaños Feliz)

Duración: 1 Hora
Público Objetivo: Mayores de 16 años
Autor: Guilherme Lessa y Rita Clemente
Dirección: Rita Clemente
Elenco: Ana Flávia Rennó. Cláudia Corrêa y Claudio Dias
Montaje:COMPAÑÍA LUNA LUNERA (Belo Horizonte – Brasil)

Síntesis argumental

En el día del cumpleaños de su hijo, Antonieta se sorprende con la llegada inesperada de dos personas: un peluquero y una cliente de él. Los tres intentan establecer una conversación sobre las frivolidades del día a día y se van revelando. Sus desencuentros, sus silencios y el intención de escaparse del tedio, la soledad y del vacío existencial. Poético e inusitado, como niños que esperan por un pedazo de una torta de cumpleaños.

ANÁLISIS DE LA OBRA

La pieza, con ribetes del teatro del absurdo, género de la comedia, nos cuenta de la soledad, la angustia, la incomunicación, las carencias, el vacío cotidiano, el tedio del ser humano, la contradicción de la soledad del individuo, en la masa urbana.

Antonieta, prepara una fiesta para Rafa, su hijo para celebrar su cumpleaños. De pronto, de improviso, llegan dos invitados: un peluquero, Erre, y su pareja, Rosa. Antonieta los recibe, sorprendida, haciéndolos partícipes de la fiesta. Lo que nunca sabemos es si el niño está vivo, o muerto, o si se ha retrasado por un motivo del que nunca nos enteramos: ''¿Y el niño?, pregunta Rosa. Y Antonieta responde enfadada, fuera de si: ''¡No lo sé!''

A través de la antropología urbana los integrantes de la compañía de teatro realizaron en Belo Horizonte una investigación entrevistando a ciudadanos anónimos, construyendo sus personajes a través de fotos, imágenes, poemas, fragmentos literarios, música, noticias, material base para estructurar los conflictos propuestos en la obra.

Pese a su brevedad –con un muy buen manejo de la tensión y distensión dramática– este Cumpleaños Feliz nos dejó un extraño sabor a soledad y que el público supo apreciar y retribuir con una gran aplauso.

PLANTA DE MOVIMIENTO

Como montaje escénico se utilizó una interesante iluminación, que consistía en lámparas ubicadas en el suelo del escenario y que con su intermitente juego de luces logra dar un enfoque hogareño. Los globos dispersos por todo el suelo escénico brindaba movimiento al montaje.

2005-11-13T22:12:00.000-08:00

WARA Y EL SUDOR DEL SOL

Duración: 55 Minutos
Público Objetivo: Todo Público
AUTOR: Gaby Vallejo
DIRECCIÓN: Adalía Auzza y Rodrigo Mendoza
ELENCO : Adalía Auzza y Rodrigo Mendoza
MONTAJE: TEATRO LOS CIRUJAS (La Paz - Bolivia)

SINTESIS ARGUMENTAL:

Los hermosos ojos negros de Wara, una niña aymara, se deslumbran al descubrir una piedra que brilla como el sol bajo el agua, trata de alcanzarla, pero resbala y cae en el fondo azul verdoso del gran lago Titicaca, dondo conoce a Kjana Chuima, el viejo guardian de los tesoros del imperio incaico (o Tawantinsuyo), quien le cuenta la verdadera historia de la llegada de los españoles a América, el feroz encuentro de éstos con Atahualpa, el último de los monarcas incas, y del regalo del dios Inti a su gente: la sagrada hoja de coca...

ANÁLISIS DE LA OBRA

logran el milagro de meternos en una historia fascinante (por todos conocida) referida a los conquistadores españoles que vinieron por el oro de los Incas. Pero la mirada o el punto de vista es desde la perspectiva del pueblo originario, rico en costumbres, lengua y tradiciones.

Basado en un cuento de Gaby Vallejo, Wara, una niña aymara, viaja al fondo del gran lago Titicaca en donde Kjana Chuima, guardián del tesoro incaico, le cuenta la verdadera historia de la llegada de los españoles a América, el encuentro con Atahualpa y de cómo el Dios Inti le regala a su pueblo la sagrada hoja de la coca para mitigar el dolor, las penas y adivinar el futuro.

PLANTA DE MOVIMIENTO

Adalía Auzza y Rodrigo Mendoza se triplican en la escena para contar esta historia. Se apoyan en marionetas de manos y accionadas por hilos; tocan instrumentos, cantan; se cambian de vestuario en escena, corren, saltan y entretienen a través de la comedia, mucho humor, sin perder el sentido didáctico, de enseñanza, educativo. Auzza y Mendoza poseen un buen entrenamiento del cuerpo y la voz en donde la pantomima es primordial en su faena.

2005-11-13T21:38:00.000-08:00

EL MERCADER DE VENECIA

Duración: 1 hora 30 minutos
Público Objetivo: Mayores de 14 años
AUTOR: William Shakespeare
DIRECCIÓN: Dirección Colectiva
ELENCO: Abigail Soqui, Diana Flores, Bernardo Gamboa y Fabián Peña.
MONTAJE: GRUPO DE TEATRO LUNA AVANTE (México D.F. – México)

SÍNTESIS ARGUMENTAL

Bassanio desea conquistar y contraer nupcias con la bella y rica heredera Porcia. Pero para lograr su cometido, debe pedir dinero a su mejor amigo: el mercader Antonio, quien no tiene dinero, pero se ofrece a servir de deudor frente al usurero Shylock, un odiado judío bastante cruel e impío, quien había sido maltratado y ridiculizado por Antonio, pero que accede a realizar el préstamo sin intereses, a cambio de que, en caso de incumplimiento del contrato en los tres meses estipulados, él reclamaría una libra de carne del lugar que estipule su antojo del cuerpo de Antonio...

ANÁLISIS DE LA OBRA

En El Mercader de Venecia, de William Shakespeare, actuaron Abigail Soquis (Antonio, Porcia y Lorenzo); Bernardo Gamboa (Salarino, Bassanio, Nerissa, Jésica y carcelero); y Diana Fidelia (Graciano, Shylock, Príncipe 1º, Príncipe de Aragón y Duque), adaptación y dirección colectiva y asistencia de dirección de Leonardo Ortiagrís.

En esta obra se cuenta la historia de Antonio, Mercader de Venecia, que solicita un préstamo a su peor enemigo, Shylock. Si no paga Shylock podrá cortar una libra de carne de Antonio. El dinero servirá para que su amigo Bassanio viaje a Belmont en busca del amor de Porcia. Pero es necesario someterse a una prueba, la supera y se casa con Porcia pero su amigo Antonio tiene que pagar la deuda por pérdidas económicas. Al final todos se salvan a excepción del prestamista Shylock.

los temas tratados en esta pieza de William Shakespeare que traspasan el tiempo y el espacio: la amistad, el amor, la fidelidad, la intolerancia, la ambición, el odio y el racismo.

PLANTA DE MOVIMIENTO

Con un dominio corporal y de la voz extraordinarios, en un escenario desnudo, iluminación general, vestuario neutro y dos cajones en donde los actores realizaban la transición, de un personaje a otro, esta compañía sorpredió al público al contarnos la historia de El mercader de Venecia. donde tres actores y el dominio absoluto de su cuerpo y de su voz, supieron mantener el interés del público en esta historia durante una hora y media.

2005-11-13T21:00:00.000-08:00

TERROR Y MISERIA

Duración: 2 horas
Público Objetivo: Mayores de 14 años
Autor: Bertold Brecht
Dirección: Gonzalo Meza Guzmán
Elenco: Leonor Landauro, Francisca Pérez, Barbara Wilson, Consuelo García, Pamela Martínez, Cristóbal del Real, Jonathan Kleiteuber, Mauricio Fuentes, Cristian Alegría.
MONTAJE: TEATRO BUBUS (Santiago – Chile)

SÍNTESIS ARGUMENTAL

En un manicomio los locos montan como terapia escenas de una obra que habla de los nazis en la Alemania de 1933, y poco a poco se van transformando en sus personajes.

ANÁLISIS DE LA OBRA

En el hospital psiquiátrico la Colonia sus residentes, a modo de terapia, montan escenas de una obra que habla de los nazis en la Alemania de 1933 (ese mismo año los nazis incendiaron el Reichstag culpando a los comunistas. Brecht escribe el poema Al camarada Dimitroff, cuando luchaba en Leipzig contra el tribunal fascista).

En la obra se desarrollan diversos temas en cada una de las escenas: el soplonaje, la detención por sospecha, el exilio, el quebrantamiento de la fe, el odio, promesas incumplidas, el racismo, la decepción, la impostura de la ciencia, los miedos de la burguesía, la propaganda del estado. Y para no olvidar que estamos en un manicomio, siempre se conserva en la escena, en un lugar neutral, a uno de los pacientes.

PLANTA DE MOVIMIENTO

En la obra ocurre la fragmentación de las escenas; se recurre a un narrador que describe lo que viene o presenta a los personajes; se utiliza con variantes rítmicas y de contenidos de letras de la famosa canción Lili Marlen que cumple el rol de separar, como en una vuelta de página, cada una de las escenas.

2005-11-13T20:08:00.000-08:00

CASTING

Duración: 50 Minutos
Público Objetivo: Mayores de 16 años
Autor: Eva Egido Leiva
Dirección: Ruben Vejabalbán
Elenco: Eva Egido Leiva
MONTAJE: ACCIONES IMAGINARIAS (Madrid – España)

SÍNTESIS ARGUMENTAL

La mujer en la sociedad occidental contemporánea. Una joven actriz que acude a un cásting, una mujer obsesionada por su silueta, una fashion victim, una mujer violada, una super woman, una anoréxica, una top model... Pequeñas historias que se solapan y superponen como en un calidoscopio de la fatalidad a la ironía, de la injusticia a la comicidad.

ANÁLISIS DE LA OBRA

Eva Egido es quien se presenta a un Casting en una sala de teatro, que es el mismo espacio que ocupamos nosotros, los espectadores, representados a través de una voz en off del Productor y Director quien (quienes) convocan (convocamos) a través de un llamado para este Casting del cual, nosotros públicos, somos partícipes midiendo, evaluando a Eva Egido Leiva como un ojo colectivo observando por una gran cerradura o viéndonos en nuestro propio espejo.

Así las cosas desde la mujer Eva Egido Leiva, van surgiendo una serie de historias: la mujer que busca trabajo imaginándose que por conseguirlo puede hacer lo que el responsable de Recursos Humanos lo desee; la mujer-objeto que depende y cuida su figura; Eva Egido que continúa con su Casting entregándonos la Tercera Jornada de la obra El médico de su Honra, de Calderón de la Barca; la mujer que está a punto de salir desde su casa y la descubre su marido; Eva Egido que regresa al Casting y recita una larguísima lista de mujeres ilustres en orden alfabético; la patética historia de una niña-adolescente-mujer anoréxica; Eva Egido y su Casting quien nos entrega la Segunda Escena, Acto I, de La Prudencia de la Mujer, de Tirso de Molina; Carmencita, una niña de ocho años que juega mientras canta canciones infantiles; El Padre Olegario quien, desde el púlpito, en época del franquismo, se refiere a la mujer española: ''El desnudismo es inmoral''... ''Debes vestir como hija de la Santa Iglesia''... Y los tres caminos que conducen a la perdición: la inmoralidad, el lujo y la vanidad; Vanessa quien obtiene la ansiada corona de Miss y que aparece con una banda en donde leemos Miss Oginia; y la última escena en donde Eva Egido en su Casting nos entrega la Tercera Escena, Acto III, deFuente Ovejuna, de Lope de Vega..

La compañía (fundada en Madrid, octubre de 2001) fiel a su concepto en la formacion de sujetos democráticos, críticos y conscientes y en donde, además, se plantea el ritual de la escena como desnudez esencial, desarrolló la tesis del rol de la mujer en el mundo machista.

PLANTA DE MOVIMIENTO

nos propusieron un montaje en donde la actriz se cambiaba de vestuario en la escena; apoyo de audio con música y textos en off; y una silla (que cumplió el rol de una mujer, o de púlpito y desde donde la mujer-rebelde, frente al discurso del Padre Olegario, desnuda parte de su cuerpo). La actriz, pese a su figura menuda, logró llenar con su actuación el escenario.

2005-11-13T19:43:00.000-08:00

LAS AVENTURAS DE JUAN MOREIRA

Duración: 1 hora
Público Objetivo: Todo Público
Autor: Roberto Cortizo y Eduardo Gutiérrez
Dirección: Patricia Corsanego
Elenco: José María Marcos, Roberto Cortizo y Cesar Mont.

MONTAJE: COMPAÑÍA DE TEATRO JUGLARES ( Buenos Aires – Argentina)

SINTESIS ARGUMENTAL

Tres juglares son enviados a la misión de representar la primera obra del Ro de la Plata. Su misión se tornará imposible, porque tres tienen que representar una obra de 15 personajes, la división de estos recae en que uno hace la música, otro el protagonista – Juan Moreira – y el otro todo lo demás... En este juego se cuenta la historia de un gaucho que al casarse con la mujer que pretendía el Alcalde, éste le hace la vida imposible, llegando Moreira a matarlo y ser perseguido por la justicia

ANALISIS DE LA OBRA

Al ritmo de la música de la serie policial Misión Imposible, tres agentes reciben un maletín con un mensaje en donde se les encomienda la misión de representar las aventuras del gaucho Juan Moreira. Los tres actores tienen que asumir la tarea de representar a 15 personajes. Se acepta el desafío y el maletín se autodestruye.
Juan Moreira pertenece a la galería de personajes del folklore popular que, según los Juglares, era representado habitualmente en los circos después de los malabaristas y magos.A partir de un conflicto amoroso, Juan Moreira se sume en una historia repleta de vicisitudes que finaliza, con su muerte.

PLANTA DE MOVIMIENTO

Uno de los componentes de la obra es el humor que lo asume el encargado de la música incidental de la pieza, con sambas, milongas, chacareras siempre al borde de ser absorbido por la música y por giros idiomáticos de la cultura de gringolandia. Los actores asumen los personajes a partir de marionetas de diversos tamaños en donde la voz es fundamental.
En resumen una puesta en escena ágil, entretenida.

2005-11-13T18:46:00.000-08:00

AMBROSE

Duración: 55 Minutos
Público Objetivo: Mayores de 14 años
Autor: Wojciech Winski, Ewa Kaczmarek, Bogomil Gauden, Dominik Zlitkowski
Dirección: Wojciech Winski
Elenco: Ewa Kaczmarek, Wojciech Winski, Bogomil Gauden
MONTAJE: TEATR USTA USTA (Poznan – Polonia)

SÍNTESIS ARGUMENTAL
El héroe de esta obra es un gran admirador de ambrosia, la bebida de los dioses. Él es sólo un mortal que desea experimentar sensaciones que se le han negado a sus pares. Es el cuento de una persona excepcional, sensitiva que busca escaparse de un mundo que lo desilusiona. Ambrosía es una criatura que cada uno posee, y que se cuida de no perderse en el mundo de las realidades virtuales, las sustancias químicas, afrodisíacos, hornonas y drogas anabólicas....

ANÁLISIS DE LA OBRA

Pese a la deficiencia de los textos leídos en español por el el actor que representó a Ambrosio, lo que limitaba la actuación, la planta de movimientos, fuimos testigos de una metáfora referidas al ser humano y el afán de trascender de los personajes: ''Algún día vendrá mi salvador. ¿Dios o un hombre? ¿Quizás un hombre con rostro de Dios?'', dice Ambrosio en uno de los pasajes de la obra. En la primera escena Ambrosio se refiere al Gólem; otra, una referencia a Prometeo encadenado, el Cristo pagano, espíritu del ideal y de la fe en la condición humana.

La otra referencia es la ambrosía bebida de los dioses que les proporcionaba invulnerabilidad y aseguraba a los hombres admitidos en los rangos de los héroes la juventud eterna, la felicidad perfecta y la inmortalidad.

Ambrosio invita a un espectáculo circense único en el mundo: el arquero, la mujer que levita, las cenizas de un Barón. La rebelión de estos seres es inminente al igual que la muerte de Ambrosio: lo sucede una de sus creaciones. Como parte de su confesión, Ambrosio comenta: ''Nunca salgo de esta casa pero la puerta está abierta. Cada uno de los habitantes son extraordinarios y únicos''. Frente a la muerte Ambrosio exclama: ''¡La virtud no existe!''

En esta obra nos queda un extraño sabor: la supervivencia más allá de la muerte física, la posibilidad de una eterna juventud y la oposición a la imagen de un Dios creador.

PLANTA DE MOVIMIENTO
Con movimientos precisos, justos y medidos los actores mostraron su destreza en su accionar, estos cuerpos que adquirían vida al sentirse secuencias de ritmos dentro del ambiente escénico.

2005-11-13T10:25:00.000-08:00

DON QUIJOTE Y SANCHO PANZA

Duración: 1 hora
Público Objetivo: Mayores de 14 años
Autor: Manuel Chapuseaux basada en obra de Miguel de Cervantes y Saavedra
Dirección: Manuel Chapuseaux
Elenco: Manuel Chapuseaux y Nives Santana
Montaje: TEATRO GAYUMBA (Santo Domingo – República Dominicana)

SÍNTESIS ARGUMENTAL

El Quijote inspirado por los libros de caballería partirá junto a su fiel escudero Sancho a vivir las aventuras de un caballero andante.

ANÁLISIS DE LA OBRA

Obra didáctica porque en este resumen tomó de la mano a los más jóvenes y niños para asomarlos al mundo de Cervantes y motivacional, porque, incentiva a la relectura de esta maravillosa historia que da inicia, nada más y nada menos, a la novela moderna como género.
Chapuseaux tomó un par de temas para estructurar la historia: la promesa de una ínsula a Sancho para que la gobierne; el perfil físico y Psicológico de doña Aldonza Lorenzo, Dulcinea del Toboso; la batalla contra ovejas y carneros; dos historias intercalados, una narrada por Sancho y otra por don Quijote (una de las tantas propuestas narrativas de Cervantes en la novela) y la emblemática lucha contra los molinos de viento.
Con una excelente gestualidad y recurriendo a la pantomima, demostraron un buen nivel actoral.

PLANTA DE MOVIMIENTO

La escenografía estaba conformada por módulos de madera y un terraplén que se transformaban en promontorios, otorgándole altura a los actores para su desempeño.
El director recurrió al género de la comedia como soporte. Interactuó con el público (un espectador lo nombró caballero y de este modo todos fuimos partícipes de su locura), los actores se desplazaron por entre las butacas donde nos encontrabamos los espectadores.
Imperdible la escena de la lucha contra los molinos de viento en donde un paraguas muy grande se transformó en un molino de viento y un cenital rojo envolvió a don Quijote que luchaba en cámara lenta contra este gigante.

2005-11-13T07:46:00.000-08:00

EL RUCIO DE LOS CUCHILLOS

Duración: 1 hora 10 minutos
Público Objetivo: Mayores de 14 años
Autor: Luis Rivano
Dirección: Silvia Santelices
Elenco: Evaristo Acevedo, Alejandro Silva y Sylvia Hernández

Montaje: CASA DEL ARTE DE RANCAGUA (Rancagua – Chile)

SÍNTESIS ARGUMENTAL

La cruda realidad de abandono y orfandad que desde niños han vivido los personajes, cómo aprendieron a sobrevivir a las patadas y a pesar de ello muestran una humanidad palpitante y poética. La palabra soez es el sabroso lenguaje que sirve de biombo para ocultar sensibilidades a flor de piel...

ANÁLISIS DE LA OBRA

En El Rucio de los cuchillos se trata de la vida de tres personajes y sus conflictos: Vinicio, alias El Rucio, ex convicto; el Tolo, cachife a tiempo completo y la Guille, prostituta callejera y deslenguada (''choriflay al pedo'', ''hacer el perro muerto y no pagar los polvos'').

En este contexto histórico y social se desarrolla este teatro de tesis en donde se plantea que los personajes, pese a todos sus esfuerzos, no logran escapar de su sino trágico, en el caso de el Rucio, volver a delinquir.

Santelices recrea una pieza, un conventillo, en donde viven la Guille y el Tolo y en donde la mujer recibe al Rucio, ex convicto que no desea volver a la cárcel. El conflicto –el móvil, en jerga policiaca– se desata en la última parte de la obra con la muerte de El Tolo que en un ataque de celos (la Guille deseaba participar con el Rucio en una competencia de baile en el Teatro Caupolicán) desafía al Rucio que le da muerte de una certera puñalada mientras el escenario se tiñe de rojo violento. Ni qué decir que el Rucio tenía en su prontuario otra muerte vía ''los fierros''.

Los actores (directora mediante) recurren con frecuencia a formas ilustrativas en su gestualidad, producto, claro está, de un teatro, o de una escuela proveniente del naturalismo. No queda nada para la imaginación. El publico disfrutó con esta historia. Aplaudió a rabiar frente a este espejo al cual, de vez en cuando, le gusta asomarse.

PLANTA DE MOVIMIENTO

En la puesta en escena se utilizaron biombos que delimitaron el epacio escénico en forma lineal, donde se desembuelve la obra. La iluminación dio manifiesto a un momento que cada personaje tuvo: lo personal, lo intimo, donde el reflejo del color rojo sobre el personaje, lo centraba en el escenario como unico objeto, enfocando a la conciencia.

2005-11-13T05:33:00.000-08:00

EL TÍO IVÀM. UN RETRATO DE LA CULTURA EN PROVINCIA

Duración: 1 hora 40 Minutos
Público Objetivo: Mayores de 14 años
Autor: Antón Chejov
Dirección: Alejandro González Puche
Elenco: Manuel Viveros, Jhonny Muñoz, Felipe Pérez, Ana Gómez, Luz Arcos, Eddy Mosquera y Julián Caicedo.
Montaje: CORPORACIÓN TEATRO DEL VALLE (Cali – Colombia)

SÍNTESIS ARGUMENTAL

En una hacienda tropical donde vive El tío Ivam con su sobrina Sonia, llegan a quedarse de una forma permanente su cuñado con su segunda y hermosa esposa Helena, él sufre quebrantos de salud propios de su edad, para lo cual llaman al doctor quien infructuosamente trata de atender a su paciente. La llegada de la familia citadina del profesor con sus costumbres perturba todos la rutina del campo, llegando a sumir en una total crisis a sus habitantes. La belleza de Helena cautiva al tío Ivam y al doctor Miguel quienes dejan sus labores habituales para seducirla.

ANÁLISIS DE LA OBRA

El tio Iván, Un retrato de la cultura en provincia
En una hacienda empobrecida viven el tío Iván, su sobrina, la abuela y un amigo allegado. A la hacienda llega desde la ciudad el profesor quien fuera casado en primer matrimonio con una hermana del tío Iván, que ha enviudado y se ha vuelto a casar con la joven y bella Helena. Esta irrupción desordena la vida cotidiana de los personajes. El médico rural, Miguel y el tío Iván se enamoran de Helana. La sobrina ama al médico. El citadino profesor, achacosa, llama al médico pero nunca lo recibe.
Chejov en su técnica dramática planteaba lo que él llamó ''acción indirecta'', vale decir, diseccionar los detalles de la caracterización e interacción entre los personajes más que el argumento o la acción directa.
En los tres primeros actos (son cuatro) somos testigos de los afanes de los personajes: la defensa de la naturaleza del médico, el sueño del profesor por regresar a la ciudad, la ociosidad del allegado a la hacienda, la vida práctica del tío Iván, la religiosidad de la abuela o los afanes del médico y del tío Iván por conseguir el amor de la bella Helena. En el último acto explota el conflicto entre el profesor y los personajes que bordea la tragedia.. González Puche supo llevar de la mano a los actores que terminaron por convencernos que sus dichos y accionar eran la más pura y santa verdad. El tío Iván defiende el reino de la aldea con sus ideas y de ahí el subtítulo de la obra: El retrato de la cultura en provincia, versus, el poder de la cultura en la ciudad, el mero centralismo

PLANTA DE MOVIMIENTO

En el montaje se optó por una escenografía móvil: tarimas, dos rejas de fondo, mecedora, sillas, una banca, además de música en vivo, iluminación específica de relámpagos además de sonidos ambientales propios de la naturaleza.
Elementos que integraban al espectador en un verdadero ambiente tropical.

2005-11-11T19:00:00.000-08:00

CABARET DIABÓLICO

Autora: Beth Escudé
Nacionalidad: Española
Género: Monólogo
Dirección y Puesta en Escena: Margarita Poseck Menz.
Elenco: Marcela García, Francisco Ríos, Alejandra Segovia,
Jorge Coke Vío
Montaje: Compañía de Teatro Universidad Austral de Chile.

SINTESIS ARGUMENTAL:

Eva presenta su espectáculo de Cabaret al público, advirtiéndole que esa noche tiene un tema muy especial : la mujer y la culpa. Para exponerlo invitará a cinco personajes femeninos históricos, reconocidos por su culpabilidad en algún ámbito: Helena de Troya, culpable de la destrucción de una ciudad; Rosvita de Gandersheim, culpable de ser la primera mujer dramaturga; Grazida de Montainllou, acusada de lujuria por la Inquisición; Elizabeth Bathory , culpable de asesinar a 625 esclavas en su castillo , y por último, Lenni Riefensthal , acusada de cooperar con el régimen nazi de Hitler.
A partir de todas ellas, Eva, decide finalmente asumir la culpa, en un renovado esfuerzo por reivindicar su trayectoria largamente desprestigiada por el mundo masculino, y dejar atrás su pasado como “madre de todos los hombres” y pasar a ser “la madre de la trasgresión y de la risa diabólica”

ANÁLISIS OBRA CABARET DIABÓLICO

Cabaret diabólico tema que giró en torno a la culpabilidad a través de cinco mujeres en distintas épocas de la historia: Helena de Troya; Rosvita de Gandersheim; Grazida de Montainllou; Elízabeth Bathory y de Lenni Riefensthal. Eva, madre de todos los hombres, la pecaminosa, decide asumir el rol de la transgresora, la madre del descaro.. Y de este modo Eva se transformó en la anfitriona que nos llevó de la mano por la historia de estas cinco mujeres.
La música, resultó atractiva , el vestuario, maquillaje, manipulación de elementos (la marioneta), actos de magia, todo fue correcto, profesional, limpio, pulcro. Pero el título del monólogo, Cabaret Diabólico ¿qué de ''diabólico'' tuvo Eva?... ¿Su accionar en el escenario? ¿Su discurso? ¿Su actitud? Quizás la maldad del hombre, como género y con respecto a la mujer en el transcurso de la historia, ahí creemos residió lo diabólico.

PLANTA DE MOVIMIENTO

En la puesta en escena se optó por un bastidor, iluminación específica, un seguidor y micrófono de pedestal e inalámbrico, sintetizando, de algún modo, el ambiente de un cabaret (al menos el acento ''extranjero'' del personaje, su vestuario, música en vivo, así lo sugería).
Lo que faltó en este montaje, fue concordancia entre lo que se decía y lo que se hacía en la escena De ahí, quizás, es que a la puesta en escena le faltó volumen, cuerpo, profundidad de escenario ya que se trabajó, de preferencia, en lo que decía.

2005-10-22T18:57:00.000-07:00

DIOS

Duración: 1 hora 20 Minutos
Público Objetivo: Todo Público
Autor: Woody Allen
Dirección: Alberto Olguin
Elenco: Raúl Rocco, Ángel Lattus, Jorge González, Omar Awad, Teresa Ramos, Gimena Cancino, Karin Orellana, Paulina Quintero, Dense Juárez, Alicia Jensen, Rodrigo Floreschaes, Esteban Pinto, Daniel Lattus, Daniel Contreras, Clipton Barañado.
Montaje: COMPAÑÍA DE LA UNIVERSIDAD DE ANTOFAGASTA (Antofagasta – Chile)

SÍNTESIS ARGUMENTAL

Una comedia llena de irónicos guiños que esperan ser descubiertos por el público, para que además de disfrutar y sonreír, abra sus sentidos a los colores, a la música. Pero ojo, detrás de un texto de Allen siempre hay algo más...

ANÁLISIS DE LA OBRA DIOS

En Dios se cuenta la historia de dos griegos, el dramaturgo y el actor, quienes deben encontrar el final de una obra de teatro pronto a estrenarse, refiriéndose, de pasada, a Aristóteles, Sócrates, temas filosóficos, artísticos, teatrales, la fama, la gloria, ironizando a propósito del patológico centralismo de los Premios Altazor. Lo mas inusual es la participación de Woody Allen (autor de la obra) a través de una llamada telefónica quien se entera que su obra se presentará en Valdivia. A la parafernalia se suma una escritora, alguien del público y un productor que le ofrece al dramaturgo un final de su obra presentándole una máquina-Dios (la portentosa aparición de Zeus que producía entre los espectadores griegos la catarsis colectiva) y al final un médico que viene desde el público para verificar que Dios ha muerto.
El trabajo del coro griego resultó atractivo, coordinado en sus voces y movimientos.

PLANTA DE MOVIMIENTO

Dios es una obra en la cual existe un claro rompimiento de la cuarta pared debido a que los personajes se mezclan con el publico. De pronto se quiebra la realidad del eje tiempo-espacio e interactúa con los personajes una mujer que aparece de entre el público, lo que le da mayor dinamismo a la obra e interacción con el espectador que responde muy confundido y sorprendido. La obra logra mantener en todo momento la atención en los movimientos de los actores desplazados en dos focos de actuación ,el escenario y la platea.
Como en un círculo, la obra finaliza como al inicio: dos griegos, el dramaturgo y el actor, que buscan el final de una obra de teatro.

2005-10-20T04:56:00.000-07:00

ROMEO Y JULIETA

Texto: William Shakespeare
Montaje: COMPAÑÍA TEATRO DE LA LLUVIA

SINTESIS ARGUMENTAL

El clásico conflicto de las dos familias de Verona es llevado a las tablas utilizando la traducción de Pablo Neruda y algunas intervenciones de la Compañía. Los Montesco y los Capuleto hacen discordias nuevas con antiguo odio y sólo la muerte de los amantes puede llevar la paz a los padres.

ANÁLISIS ROMEO Y JULIETA
La Compañía de Teatro de la Lluvia con un elenco de nueve actores pusieron en escena Romeo y Julieta, traducción de Pablo Neruda y con algunas intervenciones de textos, los coros, Hay muy poco que añadir con respecto a esta trágica historia de amor de Shaskespeare por todos conocida. La literatura al respecto es más que suficiente.
Pero lo que más interesa es el modo cómo se enfrentó el texto, la puesta en escena, la teatralidad, el vestuario, la música.
El vestuario fue utilitario para actores y actrices, predominando los colores turquesa.

PLANTA DE MOVIMIENTO
La escenografía contó con dos andamios para lograr volumen y profundidad de campo, y dos personajes extras que lo reubicaban entre escena y escena como una vuelta de página. Los andamios delimitan y generan el vació en el cual se teje la obra.
Con respecto a la iluminación se produjo alguna zona de oscuridad, sobre todo en el área inferior izquierdo del actor, Las antorchas se utilizaron para dar inicio a las escenas pertinentes tales como la llegada a la fiesta y la escena final trágica. En general, los actores poseían un buen dominio del escenario. Se sentían cómodos, seguros y todos descalzos.
Al inicio de la obra el volumen de voz de alguno de los actores fue débil aun cuando estuviese en la boca del escenario, pero a medida que la obra transcurría el volumen se fue adecuando al espacio y adquiriendo buen ritmo.

2005-10-20T04:09:00.000-07:00

PROMETEO Y LA JARRA DE PANDORA

Duración: 1 hora 10 Minutos
Público Objetivo: Todo Público
Autor: Carlos Rehermann
Dirección: Sandra Massera
Elenco: Marcel García, Fernando Gallego, Lila García y Nelson González
Montaje: TEATRO MILAGRO
(Montevideo – Uruguay)

SÍNTESIS ARGUMENTAL

Los dioses encargaron a Prometeo el habilidoso y a su hermano Epimeteo el torpe, la distribución de los bienes de la creación. Epimeteo reparte atropelladamente los dones entre todos los animales, pero cuando llega al hombre se encuentra con que no le queda nada. Prometeo decide darle al hombre algo que compensará todas las faltas y sube a los cielos para robar el fuego. Enterado Zeus, idea un castigo: la mujer.

ANÁLISIS PROMETEO Y LA JARRA DE PANDORA

Prometeo y la jarra de Pandora, , Zeus le encarga a Prometeo y a su hermano Epimeteo, el trabajo de distribuir los bienes a los seres que pueblan el mundo. Pero Epimeteo, torpe y precipitado, olvida a los hombres y no le entrega ningún bien. Prometeo roba el fuego a los dioses y se los regala a los hombres. Es castigado y encadenado por este desliz. Y Zeus, como castigo, le regala a los hombres a Pandora (mujer de Epimeteo, amante de Prometeo en el cuento y cuya curiosidad, más que un defecto en la mujer, es una cualidad) es quien abre la jarra en donde se guardan todas las desgracias. Lo único que queda para el hombre en la jarra es la esperanza. Tiresias, el oráculo ciego, un personaje delirante, va completando la historia.
Sandra Massera (actriz, docente y directora teatral, fundó el teatro del Umbral en 1998) estructura a los personajes en su accionar físico como marionetas porque, después de todo, es el modo de cómo los dioses ''manipulan'' a los pobres mortales cuando aún a los griegos ni se les pasaba por la mente el concepto del libre deseo. Así las cosas Prometeo, se desplaza como una mole de piedra; Epimeteo su hermano, en cámara lenta; Pandora dibuja su cuerpo como estatua y Tiresias se mueve, obviamente, como ciego.

PLANTA DE MOVIMIENTO

En la escenografía se recurrió a paños en donde los personajes se ocultaban para dormir; un estrado que simulaba un monte y, el personaje principal, el jarrón, era de color rojo. La música ocasional apoyaba el accionar de los personajes en los momentos claves de tensión dramática y la iluminación específica para delimitar áreas de actuación.
El escenario se divide en tres espacios. El primero es la casa de Epimeteo y su mujer Pandora donde se encuentra la jarra , el segundo mas importante el la casa de prometeo donde esta su cama simulada por sabanas donde intimaba con la esposa de su hermano.
Y el tercer espacio de menor relevancia es el monte que era solo el lugar de traspaso de una casa a otra y divide el escenario.

2005-10-20T03:30:00.000-07:00

DOS AMORES Y UN BICHO

Duración: 1 hora 15 Minutos
Público Objetivo: Todo Público
AUTOR: Manuel Chapuseaux basada en obra de
Miguel de Cervantes y Saavedra
DIRECCIÓN: Manuel Chapuseaux
ELENCO: Manuel Chapuseaux y Nives Santana
MONTAJE: TEATRO SAN MARTÍN DE CARACAS
(Caracas – Venezuela)

SÍNTESIS ARGUMENTAL

Una tarde, una familia camina por el zoológico, la hija recuerda que hace quince años su padre estuvo preso. ¿Qué delito cometió?, ¿Por qué la familia siempre trata de ocultar ese episodio?. Esa tarde, rodeados de bestias probarán los misterios del odio cotidiano, del fascismo nuestro de cada día y finalmente lo que compone casi la totalidad de nuestras actitudes y reacciones: la animalidad.

ANÁLISIS DE LA OBRA

Dos amores y un bicho, Un perro muerto a puntapies.
Esta obra, es una fábula que remata con una moraleja
Mientras la familia pasea por un zoológico, su hija recuerda que su padre estuvo preso hacía 15 años pero que desconocía el motivo. La hija, veterinaria del zoológico, comienza a indagar hasta que descubre que su padre había dado muerte a puntapies al perro de la casa ''por homosexual''.
Gustavo Hots, en su obra, desarrolla el tema del olvido a través de una fábula que involucra a toda la sociedad.
Con una dosis de humor más bien amarga, los personajes, frente a sus problemas, sueltan sus fobias. La hija piensa que para los animales la vida podría ser en blanco y negro sin olvidar sus matices pero que el ser humano no se pone de acuerdo con el nombre de Dios.
Gustavo Hots remata con una última imagen descrita por la hija cuando ella relata que al final los animales del zoológico murieron porque el pueblo se los comió. Pero que el pueblo deseaba probar algo nuevo y se comió a los unicornios (¿Los sueños, acaso?).¿Y la moraleja de esta excelente fábula? Al inicio como al final de la obra, la familia, aparecen como en una foto, abrazados, sonrientes.

PLANTA DE MOVIMIENTO

La obra se desarrolla en seis escenas, para contar la historia la técnica es utilizar mucho ritmo, en donde los parlamentos y las frases se van compartiendo entre los personajes apoyado por imágenes de animales y fotografías relacionadas con la violencia humana, proyectadas en la pared del fondo del escenario como la conciencia, lo mas característico del montaje .
La utilización de sonidos de animales junto con la imagen proyectada creaban el ambiente de un zoológico a una escala sobre dimensionada si se compara con la realidad.
La luz proyectada en el escenario era demasiado fuerte lo que causaba una gran sombra en el cuerpo del personaje , esto ocurría en escenas donde se quería dar a notar que el personaje se sintiera culpable o acusado por sus actos.

2005-10-20T02:46:00.000-07:00

BAJO LOS PUENTES DE PARÍS

Duración: 1 hora 20 minutos
Público Objetivo: Todo público
Autor: Oscar Castro
Dirección: Oscar Castro
Elenco: Oscar Castro, Alfredo Cifuentes,
Bernard Eychenne y Sylvie Miqueu.
Montaje: TEATRO ALEPH (París – Francia)

SÍNTESIS ARGUMENTAL

Es la vida de tres vagabundos y papeleros que viven bajo los puentes de París. Se propone un juego: Uno convence al otro para que lo deje ser rey por un semana, con el compromiso de que a la próxima le tocará a él. Pero las cosas no son tan simples, y cuando aparece la perspectiva del cambio de mando, ocurren eventos que impiden la transmisión del poder. Pronto aparece un tercer papelero, y la situación empeora ya que antes tenía que trabajar para uno, y ahora tendrá que hacerlo por dos...

ANÁLISIS DE BAJO LOS PUENTES DE PARÍS

Oscar Castro escribió, dirigió y actuó en Bajo los puentes de París.
Se trata de una farsa que trata el tema del poder. Ñafle , Guatusi Sonajera, tres marginales que se dedican a recoger fierros, huesos, botellas, papeles y cartones juegan a soñar y a ostentar el poder. El guiño recurre al humor mientras se dirige al espectador el juego del poder que cambia desde la monarquía a la democracia, desde ésta a la dictadura, nuevamente al gobierno popular y a la democracia con un solo y eterno perdedor: el pueblo encarnado en Ñafle que nunca, desde el inicio al final del juego, no puede acceder a él pese a sus esfuerzos (lo que causa gracia en el publico).

PLANTA DE MOVIMIENTO
El escenario esta compuesto por diversos elementos: una carreta llamada “La Dolorosa”, colchones, sillas ,cuadros , estrado, todo enmarcado en un ambiente marginal.
La planta de movimiento escenografico se divide en cuatro espacios: un espacio común en donde se generan lazos y diálogos entre los personajes, este espacio marca el núcleo del escenario que es finalmente genera y desglosa tres nuevos espacios que contienen el espacio principal, estos espacios secundarios que adquieren vida en forma intermitente durante el transcurso de la obra, a través del enfoque de la luz lo que marca un circuito entorno al núcleo.
El desplazamiento de los personajes se configuran a través de un triangulo el cual le da jerarquía y contrasta la importancia del actor que predomina en la escena, esto ayudado también por el enfoque de la luz en el cuerpo.

2005-10-20T01:42:00.000-07:00

NOVECENTO

Duración: 1 hora 10 minutos
Público Objetivo: Mayores de 14 años
Autor: Alessandro Baricco, Versión de Raquel Diana
Dirección: Carlos Aguilera
Elenco: José Luis Ardissone y Lito Barrios
Montaje: FUNDACIÓN ARLEQUÍN TEATRO
(Asunción – Paraguay)

SÍNTESIS ARGUMENTAL
La historia increíble y conmovedora de un pianista que tocaba una música sólo suya, que había nacido en el Virginian, un barco a vapor que hacía la travesía entre Europa y América. El autor plasma en una ficción realmente original la conmovedora metáfora de la vida del hombre.

ANÁLISIS DE NOVECENTO
La leyenda del pianista en el océano.
Litto Barrios, pianista, que interpreta a Novecento, un virtuoso del piano que ha nacido en el vapor Atlantic, un buque que realiza el viaje entre América y Europa.
Novecento es la historia de un brillante pianista que prácticamente nace en el vapor Atlantic y que nunca abandona (''¿Para qué descender? La ciudad no termina nunca. El teclado del piano tiene un principio y un fin, mientras que la escenografía de la ciudad se asemeja a un laberinto interminable. Cómo elegir una sola calle, un solo camino, una sola mujer'' –Son las palabras que expresa el actor del porque el pianista prefiere su vida embarcado en el Atlantic–). Novecento representa, de algún modo, al viaje del héroe que busca la libertad. ''Yo nací en este barco y por aquí pasaba el mundo'', reflexiona.
La historia de Novecento se inicia en 1927, (el personaje nace en 1900, de ahí el nombre de la obra), cuando Max es contratado como trompetista para integrar la Atlatic Jazz Band (la banda del Atlantic). Recuerda que Novecento le comentaba: ''Sólo es cuestión de tener una gran historia y alguien a quien contársela'' ( y fue así como la historia es relatada por Max el trompetista).

PLANTA DE MOVIMIENTO

En el escenario un piano, una silla, una maleta y un perchero. Colgado en el fondo del escenario una pintura de un vapor junto con un azul profundo lo que le da la atmosfera suficiente para hacer sentir al publico parte de este viaje).
Ardissone nos presentó una historia conmovedora, con una planta de movimiento que abarcó todo el escenario incluyendo un par de bajadas a público (e incluso bailó con una espectadora) rompiendo el limite del escenario traspasando la cuarta pared y creando un lazo mas directo con el publico lo que le dio al monólogo un buen ritmo.

2005-10-20T00:40:00.000-07:00

TÉ Y SIMPATÍA

Duración: 1 hora 30 minutos
Público Objetivo: Mayores de 14 años
Autor: Robert Anderson
Dirección José Luis Ardissone
Elenco: Alejandra Ardissone, Rodrigo Menéndez,
Pablo Ardissone, María Celia Villagra, Derlis Esquivel,
Hugo Obando, Miguel Secos, Sergio González
y Christian Villamayor.
Montaje: FUNDACIÓN ARLEQUÍN TEATRO
(Asunción – Paraguay)

SÍNTESIS ARGUMENTAL
Un joven internado por su padre en un colegio de chicos sufre las sospechas de sus compañeros y toda clase de bromas crueles por preferir la música y la lectura al deporte y la camaradería viril. Así mismo, un paseo por la playa con un profesor gay y su torpeza al abordar a la prostituta del lugar, llevan al joven al borde del suicidio. La amabilidad y el té con galletitas de la insatisfecha esposa del homofóbico profesor de gimnasia le salvará del ambiente represivo y acusador, y de paso el conducirá por la senda de una heterosexualidad madura.

ANÁLISIS TE Y SIMPATIA
En este montaje Fundación Arlequín sigue la línea del Teatro rico, con una puesta en escena realista en todos sus aspectos: escenografía, vestuario, actuación, obra escrita y dirección.
El vestuario es de época, década de los 50, en un ambiente burgués norteamericano.
La obra no logra la espontaneidad y los personajes no llegan a un clímax, son mas bien planos, sin profundidad por lo cual no logra cautivar al publico ni romper la cuarta pared. Parecía estar mirando una teleserie.

PLANTA DE MOVIMIENTO:

Desde el punto de vista de la escenografía, en Té y simpatía se opta por el realismo: un living, un dormitorio y un pasillo central de ingreso y salida de los actores para ambos espacios. La escenografía es como un corte transversal de la realidad en donde el espectador se transforma en una suerte de mirón a tiempo completo. No queda nada para la imaginación: hasta la lluvia parece real.
El escenario se divide en tres partes tomando diferentes atmosferas creadas por la situación que se da en cada una de ellas.
En el primer espacio se da el acto de convivencia y acogida carecterizado por la luz calida y punto de reunion de los personajes.
En el segundo espacio es solamente de traspasoes el punto de difusión de los actores
Tercer espacio marca un atmosfera apartada donde las acciones se generaban conjuntamente con el primer espacio , pero teniendo un carácter mas intimo , solitario penumbroso.

2005-08-10T22:33:00.000-07:00

Antecedentes Teóricos

Como se arma el teatro

A continuación se da a conocer la estructura básica para el montaje de una obra teatral, teniendo en cuenta que el actor de teatro concibe las cuatro coordenadas espaciales en un mismo punto.

EL PLANO

Trazado de planta se definen posiciones, distancias y movimientos corporales dentro del perímetro del escenario.

EL ESPACIO

Levantamiento de la planta, se construyen las escenas, se observan distintos niveles de variación de la altura, ancho, masa, etc.

El creador teatral propone una estructura que se alimenta de elementos que enriquezcan y den a entender el sentido real de la obra.
Por lo tanto busca:

* Transportar al observador a escenas intangibles

* Hacerlos vivir los sucesos puestos en escenas despertando la memoria emocional del observador.

Carta Gantt

2005-08-08T15:06:00.000-07:00

2005-08-07T22:32:00.000-07:00

Metodología

La metodología a usar es mediante una exposición gráfica, donde se mostrarán registros:

*fotográficos
*croquis
*comentario de escritor

-Con respecto a las fotografias se les realizará una inversión de colores para tener una mejor abtracción de estos y se denotará la intención de la iluminación de la obra, y de los volumenes que salen a la luz con este sistema.

-Se generará una entrevista al escritor Pedro Guillermo Jara, quien nos otorgará sus comentarios de las obras presentadas en el evento, ofreciendo una mirada diferente.

2005-08-07T22:30:00.000-07:00

OBJETIVOS DEL PROYECTO

Nuestro trabajo consiste en observar las distintas obras que se presentan en el evento cultural lluvia de teatro que se realizará en el teatro municipal Lord Cochrane donde se presentaran consagrados artistas nacionales y extranjeros, gracias al apoyo y a la colaboración de empresas e instituciones.

Con ello lograremos captar la diversidad de ambientaciones escenográficas que los distintos países presentes en el evento, nos darán a conocer , comparando entre estos las similitudes y diferencias de sus montajes escénicos, de los cuales se tomará en cuenta sus:

* Temáticas

* Iluminación

* Movimiento espacial

A través de una documentación de las 29 obras de teatro, de las cuales 11 son nacionales, se observará la manera en que las distintas obras mediante sus propias implementaciónes logran interactuar con el público de tal forma de transladarlos a nuevos mundos.

2005-08-07T15:24:00.000-07:00

Justificación

Se escogió el tema del teatro por tratarse de un arte el cual atrae a muchas personas,quienes se dejan envolver por otros mundos que salen a luz cuando se abre el telón, al manifestarse formas, colores, sonidos, se dan a sentir emociones transmitidas del escenario al lugar del espectador.
Con este registro gráfico se dará a conocer estos mundos que estuvieron en el evento valdiviano de teatro, con la intensión de aportar a la cultura enriquecedora del arte, obteniendo una mirada diferente de las formas de expresión del ser humano.

2005-08-03T21:28:00.000-07:00

INTRODUCCIÓN

El teatro es un arte corporal, que busca la variabilidad a través de un montaje corporal interpretado en escena, el cual a través de la ambientación de la escenografía revive hechos o circunstancias de temáticas propuestas por el dramaturgo, donde el actor haciendo uso de su memoria emocional interpreta una realidad pasada, presente o de mundos imaginarios y así se crea el canal de conexión que trasmiten emociones creando el rompimiento de la cuarta pared.

Nuestro trabajo trata de la acogida que tiene el publico con la obra y como se rompe la cuarta pared y como se da el punto de conexión. Esto se realizara mediante un catastro de las distintas compañías teatrales que tendrán participación en el evento lluvia de teatro, sus formas de expresión a través de los elementos que se utilizarán:

Colores, iluminación, música, disfraces etc. Lo que lograra marcar diferencia entre las obras en cuestión y sus temáticas.